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Idées Noires – Franquin (Audie, 1981-84)

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Je me rappellerai toujours de mes impressions lorsque j’ai lu cet album pour la première fois. C’est poilant et flippant, attirant et dégoûtant. C’est surtout virtuose. Comment est-il possible que ce soit le même dessinateur que celui de notre gaffeur préféré. Depuis, je n’ai jamais pu lire Gaston de la même façon…

Pourtant, les thématiques abordées sont les mêmes. Franquin dénonce l’absurdité de nos sociétés modernes qui foncent droit dans le mur de la technologie et de la performance.  Ecologiste reconnu, c’est un défenseur acharné des animaux et un humaniste convaincu. C’est juste la manière qui change. A l’instar de son amis Gotlib (qui édita ces Idées Noires), Franquin marque un virage trash-gore-scato qui lui sert, on le sait, de catharsis dans une période de grande dépression.

Franquin est une référence absolue pour plusieurs générations d’auteurs. Il est marrant de constater que son parcours professionnel est à l’exacte inverse de la plupart des auteurs actuels qu’il influence. Faire la majeure partie de sa carrière dans les plus grand journaux d’après guerre (Spirou, Tintin…) pour aboutir en 1977 dans un fanzine parasite (Le Trombone Illustré dans Spirou) ou une jeune revue qui fleure bon l’underground (Fluide Glacial), est quelque peu… iconoclaste.

Sans aller jusqu’à dire que Franquin est un punk, ses idées noires reflètent parfaitement l’esprit pessimiste et nihiliste de son époque. 1977 marque la naissance du mouvement No Future, où s’affirme cette nouvelle génération désabusée qui crache littéralement à la gueule des valeurs paternalistes. Et c’est ce que fait Franquin lorsqu’il déglingue les vieilles traditions (la chasse, la pêche, la corrida…) et toutes ces institutions aliénantes et destructrices (militaires, scientifiques ou religieuses).

Alors que la mort est omniprésente dans ces pages, son graphisme atteint ici un degré de vivacité jamais égalé. Ces ombres noires amplifient à l’excès les mouvements de ses personnages qui dansent, sautent, volent, s’écrabouillent, perdent la tête ou explosent avec une grâce folle… Franquin nous confirme ici qu’il est le maître incontesté de l’onomatopée (MOP, BOP, SLOP, PNOP!).

Même quand il broie du noir, il nous fait rire. Ce rire ravageur, salutaire, parfait exutoire à nos angoisses les plus refoulées, nos peurs les plus primales. Plus proche du « Bête et Méchant » que des petits mickeys de chez Dupuis, ses bandes anthracites auraient pleinement trouvé leur place chez Charlie ou Hara-Kiri. Mais c’est grâce à Fluide Glacial que l’on peut se délecter, ad nauseam, de ces douceurs macabres.

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Walking Dead T.22/23 – Kirkman & Adlard (Delcourt, 2015)

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Les morts qui marchent continuent leur bonhomme de chemin. Kirkman et Adlard tiennent la longueur et arrivent encore à nous surprendre. La présence de nouveaux collaborateurs (Gaudiano et Rathburn) y est sûrement pour beaucoup. Si certains épisodes ronronnaient et dégageaient une impression de déjà-vu (Negan pouvant être vu comme un Gouverneur bis), le récit trouve un nouveau souffle à partir du numéro 22 (133 en version US), judicieusement intitulé « Une autre vie ».

Quelques années ont passé. La guerre avec Negan est terminée, Rick est devenu le sage patriarche d’Alexandria, respecté de tous. Maggie a pris les rennes de la Colline et Carl s’émancipe. La vie prospère et tout à l’air d’aller pour le mieux dans le pire des mondes. Sauf qu’une nouvelle menace extérieure apparaît, plus pernicieuse que les zombis eux-mêmes. A moins que le danger ne viennent, une fois encore, d’entre les vivants…

Comme toujours, le rythme est soutenu, comprenant son lots de rebondissements, d’épilogues (avec Negan) et d’ouverture vers de nouvelles intrigues (avec ceux qui murmurent). La narration conserve cet équilibre entre temps calmes (les protagonistes redécouvrent les joies des petits tracas familiaux) et morceaux de bravoures (et ses scènes gores).

Cette absence de manichéisme fait la richesse de Walking Dead. Les vivants sont potentiellement tous dangereux et prêts à tout pour survivre, à l’image de Rick Grimes lui-même. Le monde ne se divise pas bêtement entre les vivants et les morts. C’est plus subtil que ça. On distingue plusieurs catégories d’individus : les morts-morts (soit des vivants qui sont morts et non revenus ou des zombies mis hors d’état de nuire), les morts-vivants (postulat et seul élément fantastique de l’histoire), les vivants-morts (correspondant à la majorité des survivants, bon nombre d’entre eux sont psychologiquement morts, d’autres agissent en fonction de leurs pulsions de mort, d’autres encore se comportent comme les zombies…) et les vivants-vivants (ceux qui s’accrochent encore aux valeurs du vieux monde ne font pas long feu. Rick l’a bien compris et tente de préserver ce qui lui reste d’humanité).

Cette saga ne semble pas prête de s’arrêter, et c’est tant mieux. Tant que ses qualités narratives et esthétiques perdurent, on en redemande.

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Brèves de chroniques #5

Frissons d’espace – Denis Jourdin (Futuropolis, 1989)

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Sorti en 1989 dans la collection X de Futuropolis (l’ancien), Frisson d’espace est un récit d’espionnage industriel sur fond de guerre froide. Guy Lamour, un ingénieur bossant sur la fusée Ariane, se retrouve la cible d’un complot visant à lui soutirer des plans pour les services secrets soviétiques. Nina Jalousesco est chargée de l’amadouer mais tombe sous son charme et compromet toute l’opération… La particularité de Denis Jourdin est qu’il n’aime pas les phylactères, alors que ses personnages sont bavard. Du coup, les mots débordent sur les visages et les décors, sans pour autant surcharger les cases. Sa ligne claire bancale est très lisible. Ses formes excessives et stylisées m’évoquent un Mokeit light ou un Rémi soft.

Lapin n° 28 (L’Association, Mai 2001)

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On retrouve Jourdin dans le Lapin n°28 qui date de 2001, soit en pleine période faste, loin des guerres intestines qui bousculeront l’Association quelques années plus tard. En atteste la présence des six fondateurs, ainsi que le noyau dur d’amis et collaborateurs (Anne Baraou, Ayroles, Sfar, Blain, Parrondo, Gerner, Blanquet, Satrapi, Benoit Jacques, Valoni, Placid…). Un numéro de la deuxième formule (« quinquannuelle ») comprenant des récits courts conçus pour l’occasion (pas de pré-publication). Ainsi qu’un dossier sur le festival de Bastia 2001, prenant la forme d’une succession de strips réalisés par divers auteurs (procédé que l’on retrouvera dans l’Éprouvette). Un numéro de haute tenue, pertinent et passionnant à lire, même quatorze ans après sa sortie.

La Putain P – De Vries & Feuchtenberger (L’Association, 1999)

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La Putain P des allemands De Vries et Feuchtenberger ne raconte pas l’histoire d’une, mais de trois putains. La première n’arrive pas à aimer, la deuxième est en quête d’amour et la troisième cherche une naissance… Soit trois variations sur la notion de désir. Il se dégage une forte personnalité du graphisme de Feuchtenberger, qui s’inscrit dans la lignée des expressionnistes : de nombreuses contre plongées, des perspectives distordues, des noirs gris et blancs sales et charbonneux, mal coloriés… Un album de l’Asso exigeant, tant dans sa forme que son propos, qui ne brosse pas le lecteur dans le sens du poil. Tout pour déplaire à Mr Filippini en somme.

Chronique K.BD – Moi René Tardi, Prisonnier du Stalag IIB

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Qu’elle soit le sujet principal ou la toile de fond de ses récits, la Der des Ders hante Jacques Tardi depuis des lustres, de Brindavoine à C’était la guerre des tranchée, sans oublier les deux volumes de Putain de guerre ! Si au fil du temps, Tardi est devenu un spécialiste en la matière, on ne peut réduire son œuvre à cela et occulter tous les autres aspects de son incroyable production (adaptations littéraires, saga feuilletonesque, récits fantastiques, illustrations… Nous ne sommes pas étonnés de le voir enfin s’attaquer à la Seconde Guerre mondiale. Et quel meilleur prétexte pour aborder la « 39-45 » que de raconter le vécu de son propre père. Un travail de mémoire, toujours, mais également un travail de réhabilitation, de compréhension. Comprendre enfin ce qui a pu rendre ce père si aigri envers ses semblables, si haineux de la nation.

A la différence de ses autres récits de guerre, celui-ci l’implique directement, puisqu’il concerne son père, à qui il a demandé de raconter son expérience de prisonnier de guerre. « J’ai lu ces trois cahiers d’écolier couverts d’une écriture fine, quelquefois difficile à déchiffrer, avec des croquis explicatifs pour combler ce que les mots laissent d’imprécis et que seul le dessin pouvait rendre évident. J’ai lu ces trois cahiers, les ai rangés dans une boite avec des photos qui avaient un rapport avec cette époque. Je me suis dit qu’un jour j’en ferais quelque chose, que je raconterais tout ça en mettant des images sur son texte… »
L’ouvrage ne s’appuie pas que sur un travail de recherche (domaine dans lequel il excelle), il se rapproche plus du témoignage direct illustré. Il évite ainsi l’écueil du documentaire en y induisant une dimension romanesque.

Moi René Tardi, prisonnier de guerre au Stalag II B est un récit de guerre, mais aussi un récit du monde carcéral, vu de l’intérieur. C’est pourquoi il trouve sa place dans cette thématique de mai. L’humiliation, le confinement, la routine, la misère, la faim, les maladies, les souffrances de l’enfermement, l’espoir de la fuite… les conditions de vie d’un camp de prisonniers sont authentiquement décrites. Un témoignage précieux, emprunt d’émotions graves, qui ne manque pas de drôlerie pour autant. Zaelle apprécie le ton parfois léger du récit, quand par exemple « René Tardi raconte les mille et une petites choses que les prisonniers de guerre avaient imaginé pour rendre fous leurs gardiens ». Lunch a raison : « le récit ne se veut pas défaitiste, volontiers amer et rancunier certes, mais il entretient toujours une notion d’espoir et de lucidité sans s’apitoyer sur des conditions de vie déplorables ».

Les choix narratifs de Tardi soulignent cette dimension émotionnelle et intime, lui permettant de mettre en scène un dialogue filial qui n’a jamais eu lieu. Il s’implique directement dans l’histoire, se représentant sous les traits du jeune homme qu’il était à l’âge où il se posait ces questions, qu’il n’a jamais eu l’occasion d’aborder avec son géniteur. Une posture de Candide qui l’autorise à des propos naïfs, appelant un char un tank, insistant lourdement sur l’hypothétique évasion du paternel…

Cet échange père-fils comme principe de narration est le seul point de cet album qui ne fasse pas l’unanimité. Zaelle et moi-même trouvons cette approche riche et originale, Badelel est admirative devant ce joli tour de passe-passe qui nous sauve d’une voix off qui aurait pu être plate. Yvan et Legof eux, n’ont pas accroché et ont préféré la deuxième partie du récit, plus descriptive. Lunch trouve ce dialogue post-mortem plutôt troublant.

De cette manière, Tardi installe une distance juste et confortable pour raconter dans les détails les conditions d’incarcérations de ces nombreux prisonniers. Yvan souligne qu’à la différence de ses autres récits de guerre, il nous met ici dans une posture de spectateur plutôt appréciable. Nous sommes les témoins indirects des événements décrits, sans induire de phénomène d’identification forte au personnage principal. Même si Legof a raison d’évoquer de fait qu’il est fort possible qu’au moins un membre de notre famille ait connu cela sans qu’on ne le sache vraiment.

Cette mise en page stricte de trois cases panoramiques par planche me semble une bonne idée. Car cette contrainte l’oblige à jouer sur les focales (plan d’ensemble, plan américain, gros plan…), ce qui rend la lecture fluide et dynamique. A l’inverse, Badelel considère que « le découpage systématique en trois bandes par page assez habituel chez Tardi maintient un côté statique et documentaire à l’ensemble qui n’aide pas intégrer la dimension émotive du discours ». Il se dégage une impression de succession de photos d’époque. Impression d’autant plus renforcée par le choix d’une coloration (réalisée par sa fille Rachel) faite de marron-gris et d’ocres, conférant un aspect sépia, vieillot et sombre qui colle parfaitement à l’époque.

Graphiquement parlant, Tardi a depuis longtemps abouti à son vocabulaire pictural. Cette ligne claire qui s’attarde sur les sombres aspects de l’âme humaine. Même si ici, il focalise peu sur les horreurs et s’intéresse plus aux vivants. Car nous connaissons le dénouement de l’histoire, nous savons que son père s’en sortira. Mais à quel prix ? Seul Tardi et les siens le savent réellement. Et nous surement, dans le deuxième volume en préparation. Car en effet, comme l’évoquent très justement Lunch et Badelel, c’est seulement à la dernière case que l’on prend connaissance d’une suite, qui n’a été annoncée ni par l’auteur, ni par l’éditeur.

Si, au niveau de la forme et des choix narratifs de Tardi, les avis divergent, nous sommes tous d’accord pour dire que cet album est un témoignage précieux, sortant de l’oubli un pan peu glorieux de notre histoire moderne.

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 Lire l’article sur K.BD

Ent’revues

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L’aurions nous enfin ce magazine de critique de bande dessinée tant attendu, qui rend pleinement compte de la richesse et la créativité du neuvième art, de sa production et de ceux qui la font ? Il semblerait en effet. Ka Boom est une revue trimestrielle qui prend le temps d’analyser, de rencontrer, de comprendre, sans céder aux sirènes de l’actualité immédiate (voire l’interview de Joe Matt qui n’a rien produit depuis plus de dix ans). Et sans pour autant se déconnecter du milieu, comme en attestent les dossiers concernant le festival d’Angoulême ou les dernières nouveautés éditoriales (en avant-première pour certaines). Du « mainstream » (Schtroumpfs, Asterix, Spirou), aux « indépendants » (Daniel Clowes, Blutch, Sfar & Trondheim, Ruppert & Mulot…), des anciens (Gus Bofa, Herriman, Don Rosa, René Follet) aux incontournables (Tardi, Corben, Jaime Hernandez, Willem, Floc’h, Gipi…), sans oublier les petits nouveaux (Nadja, Joff Winterhart), la rédaction évite tout clivage et guéguerres de chapelles.

Le choix des artistes et des œuvres présentées me convient tout à fait. Proposer des dossiers qui ont l’intelligence d’éviter les traditionnels écueils de l’hagiographie (bio-biblio), en abordant l’Œuvre d’un auteur sous un angle original (l’influence de Moebius sur les auteurs japonais, l’influence de Gus Bofa sur les dessinateurs contemporains…). Susciter des rencontres entre artistes (interviews de Dan Clowes par Pirus et Mezzo, Peter Belgvad par JC Menu, Joff Winterhart par Nine Antico, Willem par Morvandiau…), établir des liens inattendus (les schtroumpfs et le dadaïsme), créer des ponts entre les continents et les époques, telles sont les ambitions réussies de Ka Boom.

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Troisième numéro pour le bimensuel Aaarg, qui garde le cap et semble avoir trouvé son rythme de croisière (et ses lecteurs). C’est une bonne chose, car cette revue possède de grandes qualités, tant formelles que de contenus. Son format d’abord, très grand, épais et coloré, associé à une qualité d’impression impeccable, m’évoque le regretté Ferraille Illustré. Une revue hors norme qui « ne rentrera jamais dans ma petite bibliothèque toute moite » (comme indiqué au dos du Ferraille n°27). Son contenu est riche et généreux (188 pages plus des posters), à l’image des collaborateurs du rédac’chef Pierrick Starsky. Petit name-dropping qui en dit long : Anthony Pastor,Tanxxx, Fabcaro, Terreur Graphique, Pixel Vengeur, Salch, Pochep, Bouzard, Sourdrille, B-gnet, Rifo, Caritte, Reuzé, Jürg…

La comparaison avec Ferraille ne s’arrête pas là. L’humour varié (potache, satirique, second degré, con, etc.) et la diversité graphique sont au rendez-vous. Son contenu alterne entre courtes planches de gag en strips (avec entre autres le Grotext d’Olivier texier, Paf et Hencule de Goupil Acnéique…) et longs récits d’une vingtaine de pages (Pastor dans le n°1, Caritte, Rifo et Starsky dans le n°3). Le tout entrecoupé de dossiers complets et bien ficelés qui parfois, en particulier « les chroniques de la bouche bée », flirtent avec l’esprit « Echo des Savanes », photos racoleuses en moins. Sans oublier des zooms sur des artistes-illustrateurs : Laurent Durieux, Il Gatto, Riff Reb’s ou Julien Loïs. Bien qu’étant une revue de dessins et d’illustrations, Aaarg n’a pas peur des mots. On peut trouver des pages entières de nouvelles inédites sans une seule illustration. Ce qui contribue à la diversité de l’ensemble. Une revue à suivre…

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Alimentation générale, de la jeune maison d’édition indépendante nantaise Vide Cocagne, est née de l’initiative de l’excellent Terreur Graphique (ce qui s’annonce bon !). Une sorte de fanzine de luxe sorti de manière plutôt confidentielle en juin 2011, qui en est actuellement à cinq numéros. Une revue placée sous le joug de l’ « umour et bandessinée ». Pas étonnant dans ce cas de retrouver cette constellation d’auteurs qui gravitent autour des planètes Fluide, Psikopat, Jade, Aaarg ou feu-Ferraille, coutumiers de ce genre de production (Guerse, James & Boris Mirror, Fabrice Erre, Gilles Rochier, Pixel Vengeur ou Pochep). Merci à l’ami Nantua de m’avoir offert ce premier numéro, exclusivement composé d’histoires courtes dessinées, certaines reliées autour du thème de la bouffe (d’où le titre), sans aucun rédactionnel. Ça se lit vite mais c’est bien foutu. J’ai hâte de me procurer les autres numéros…

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