La belette – Comès (Casterman, 1983)

Depuis son coup de maître Silence, Comès ancre ses histoires dans sa Wallonie natale. La belette ne déroge pas à la règle. Comès y confronte les mœurs et traditions séculaires à la modernité urbaine. Un couple de citadins (et leur enfant autiste) s’installent dans la campagne profonde et se confronte rapidement aux villageois qui, pour la plupart, se comportent bien étrangement. Malgré un sentiment de persécution et de nombreuses morts inexpliquées, l’héroïne trouvera sa place grâce à la belette, une jeune femme mystérieuse qui, avec son père, vouent un culte à la Déesse Déméter. S’écartant de plus en plus d’un mari égoïste et carriériste, elle décide de rester dans le village d’Amercoeur pour ainsi prendre la relève de la belette…

Le récit repose sur les oppositions : rîtes païens à la Déesse Mère contre religion catholique vouant son culte au Dieu unique (et craint). Opposition entre pulsions de vie incarnées par la mère enceinte et pulsions de mort représentées par le curé sanguinaire. Les mentalités étriqués et la précarité culturelle des uns (qui cèdent à la jalousie et la convoitise) font face au idées progressistes des autres, en particulier l’émancipation des femmes (les deux seules présentes sont des femmes fortes et indépendantes !). Le lourd héritage de la guerre est aussi présent, incarné par le Boche qui, tout comme la famille de citadins, suscite la peur chez les autochtones. Peur de l’étranger, peur de ce qui est différent (autisme, rites païens…)

Le graphisme de Comès joue de ce contraste fort du noir et blanc strict. Influencé par Pratt, Tardi ou Munoz, il possède toutefois une forte personnalité. Aucunes droites, toutes les lignes sont courbes, flottantes. Cette impression de fait à la main levée confère un charme particulier à l’esthétique de Comès. La stylisation de ses figures également (les citadins ressemblent à des elfes). Ces trognes de villageois (le voisin, le curé…), à la limite de la caricature, sont impeccables.

Ode à la nature, aux  richesses insoupçonnées de la terre face aux comportements inconscients et destructeurs de l’être humain, La belette est un récit à part, envoûtant, parfois dérangeant, mais jusqu’au bout fascinant.

 

Sous le signe du Capricorne – Hugo Pratt (Casterman, 1979)

Sous le signe du Capricorne est le premier Corto que j’ai lu. J’y ai découvert la magie du noir et blanc pur, la beauté des contrastes forts. Un univers onirique et envoûtant que je ne cesserai jamais d’aimer.

Pratt est un incontournable, un des rares – en particulier à partir de la création de Corto – à s’être pleinement affranchi des codes traditionnels de la narration figurative (et de l’influence d’un Milton Caniff), parvenant ainsi à développer une manière très personnelle de raconter une histoire en images et en mots. Un nouveau vocabulaire en somme, qui va au-delà du simple agencement de textes et de dessins. «Pour moi, aujourd’hui, le graphisme part de la nécessité d’un trait pour aller à l’impératif de la parole». Avec lui, narration et figuration établissent un nouvel ordre, le dessin se faisant signe quant les mots deviennent vecteurs d’images.

Pratt est un explorateur de la narration et un extraordinaire dessinateur (n’en déplaise à certains…). Son trait est brut, excessif, approximatif dans ses représentations, et pourtant terriblement précis dans ses intentions. A l’image des mouvements raides et maladroits de ses personnages lors des scènes de bagarres qui, pour peu «réalistes» soient-elles, possèdent une forte puissance d’évocation. Pratt ne se préoccupe pas de faire «vrai», puisse qu’il nous raconte sa vérité.

 

 

« Comme toute grande œuvre, l’œuvre de Pratt est éminemment philosophique. Elle propose une vision du monde et de l’homme qui a quelque chose de nietzschéen. La complexité du réel, la multiplicité des hommes et des valeurs, place d’emblée le lecteur par-delà le bien le mal. Le jugement moral s’efface : l’étonnement prime. De cette confusion des sentiments se dégage un immense OUI. Oui à la vie, oui à sa beauté, oui à sa violence, oui à sa douceur, oui à sa cruauté, oui à ses illusions et à ses rêves. L’œuvre est toute entière placée sous le signe du désir. » (Grégoire S. PRAT in En Verve Hugo Pratt – Horay, 2004)

Intuitif et dilettante (pour un marin, il passe beaucoup de temps à terre), Corto semble être l’archétype même de l’anti-héros, se laissant balader par les événements, donnant l’impression de ne rien maîtriser. Mais ce n’est qu’une apparence. Corto est un homme d’action («Ce sont les faits qui comptent et non les paroles» dit-il à Tir Fixe), qui s’en sort toujours avec une chance et une nonchalance insolentes. Il est né sous une bonne étoile, sans forcement y croire d’ailleurs. Ce mysticisme refoulé fait la force du personnage qui, souvent par contradiction, conserve un esprit rationnel lorsqu’il est confronté à des événements oniriques et surnaturels.

Corto est un séducteur craintif, qui se méfie bien plus des femmes qu’il croise que de ses pires ennemis («les femmes seraient merveilleuses si tu pouvais tomber dans leurs bras sans tomber entre leurs mains»). Son dialogue avec Bouche dorée est à ce titre éloquent : «-Ici tu aurais trouvé tout ce que tu cherches… Mais tu es aveugle comme une taupe… -C’est bien possible, Bouche Dorée… mais c’est à moi de m’en apercevoir.»

Raconter ne sert à rien, il faut le lire, se laisser guider par le maître d’aventure… Sous le signe du Capricorne est le véritable premier acte des aventures de Corto. Tous les personnages centraux de la saga y sont présents (professeur Steiner, Bouche Dorée, Raspoutine…). Une mise en place qui ouvre sur des récits fascinants…

 

Faux mouvements (Chroniques provinciales) – Duveaux (Glénat, 1982)

 

Ce que je peux reprocher à l’actuel milieu du neuvième, c’est cette fuite en avant, cette quasi amnésie qui nous ferait oublier qu’il reste énormément de bonne choses à découvrir dans les vieux pots ! Point de nostalgie d’une époque qui serait révolue, puisse que pour toute œuvre d’art, le temps ne fait rien à l’affaire. Si c’est bon, ça reste bon ! Et bien entendu, ce qui est mauvais reste mauvais. Mais bon nombre de création se bonifient avec le temps. Bref, quand une bédé est bonne, elle mérite d’être lue et mise en avant. C’est le cas de cet album de Duveaux, un auteur tombé dans l’oubli, pourtant toujours en activité.

Duveaux possède un graphisme particulier, typique du début des années 80, proche de ce que peut faire un Alex Varenne. C’est par le contraste (couleur ou noir et blanc) et non par le trait qu’il représente ses formes. Un « tachiste » pour les ombres, usant d’effets de trame pour les gris. Couleurs fades, camaïeux de marrons ocres, complémentaire entre rouge lit de vin et vert pâle, seuls les personnages et les voitures se détachent du décor par leurs couleurs primaires vives. L’œil est un peu perdu au début, il faut un temps d’adaptation pour saisir le sens des images, des motifs et figures représentées.

 

Ce deuxième volet des Chroniques Provinciales (qui en comprend quatre, sortis entre 1981 et 1984) est une histoire d’amour dramatique à l’ambiance polar années 50. Un scénario proche du Fargo des frères Coen : un homme fomente une escroquerie qui tourne mal. Pris au piège de son piètre machiavélisme, il ne maîtrise plus rien des aboutissants de l’affaire.

Louis Blanchot, un pharmacien de Besançon accidentellement veuf (aux doutes de la police, sa femme ayant été empoisonnée) organise sa fuite avec Huguette (sa maîtresse) et une valise pleine d’argent. Ces deux dernières disparaissent suite à un accident de la route. Seul, meurtri, Louis décide d’en finir. Mais, se retrouvant incapable de se suicider (le sort ne l’aidant pas non plus), il appelle une connaissance mafieuse afin de mettre un contrat sur sa propre tête. Alors qu’il attend son heure, Huguette resurgit, lui expliquant avoir survécu à l’accident, et avoir planqué le pognon. Arrive à ce moment une autre personne, sûrement son exécuteur… S’en suit un enchaînement de séquences qui ne manquent pas d’humour. Noir, of course.

Les décors, ainsi que les costumes, chapeaux et impers des personnages, entretiennent le décorum années 50. Entre courses poursuites, accidents et filatures, les voitures (203 Peugeot, Traction Citroën, Renault Celta 4…) jouent un rôle central dans le déroulement de l’intrigue : disparition d’ Huguette, traque du tueur, fuite des amants…

Une histoire inscrite dans la tradition du genre, rondement menée, au découpage classique (champs contre-champs) et linéaire, qui de part ses nombreux rebondissements, nous tient en haleine jusqu’au bout.

 

 

http://www.duveaux.com/

Oldies from seventies…

1972, c’est encore la grande période de Pilote, celle d’avant la création de la nouvelle presse dissidente (L’Echo, Fluide, Métal…). Cette version hebdomadaire a permis à de nombreux lecteurs de découvrir de nouveaux jeunes dessinateurs qui deviendront pour beaucoup les maîtres de la BD d’aujourd’hui. A l’image de Bilal, qui signe la couverture et publie ici une de ses premières histoires de pure SF. Son graphisme est encore maladroit. Il se cherche encore (et toujours, d’ailleurs !) mais on y décèle les prémices d’une œuvre forte.

On trouve au sommaire de ce numéro 671 les planches de Vidal et Hoppe, Beketch et Loro, Beketch et Alexis, Vidal et Clave, ou Carthy qui, de part leur forme « fiche conseil », demeure sous forte influence « Madienne ». Coté bandes, que du bon : des histoires complètes avec Leconte, Bilal, Gibo, Fred, Greg ou Jean-Claude Gal… Et des prépublications avec Astérix (extrait du Devin), Forest ( Hypocrite), Lucky Luke (Chasseur de primes) ou Blueberry (Ballade pour un cercueil). Sans oublier les pages d’actualités de Jean Florac et Guy Vidal. Un numéro qui reste parfaitement lisible et tout à fait intéressant, même plus de quarante ans après sa sortie.

A une époque (début des années 70) où ni Métal Hurlant ni Mad Movies n’existaient, les amateurs de fantastique avaient peu de chose à se mettre sous la dent ! Heureusement pour eux, il y avait Creepy, et son cousin Eerie. Deux revues traduites directement du matériau issu des EC Comics (Les Contes de la Crypte). D’où la présence dans ces pages de Wally Wood, Angelo Torres ou Richard Corben.

Ce recueil de trois numéros (les 18, 20 et 21. mais où est passé le 19 ?!), datant de 1973, alterne entre bandes dessinées déviantes en noir et blanc et articles de films fantastiques (de Universal, la Hammer ou les productions Corman) richement documentés. On y trouve de nombreuse images d’archives des (dorénavant) classiques du cinéma d’épouvante (Le bal des vampires, La créature du lac noir, Westworld, Dracula, La nuit des morts-vivants, etc.), ainsi que des chroniques sur les fanzines et revues de l’époque (ils parlent de Mad Movies en ces termes : « Le meilleur fanzine français consacré au cinéma fantastique dont la qualité s’accroit au fil des numéros »).

Creepy et Eerie sont actuellement réédités par le label Delirium des éditions ça & là.

Première mouture de l’Echo des Savannes, et de loin la meilleure, car uniquement consacrée à la bande dessinée. L’Echo de 1974 est encore géré par le trio infernal Mandryka, Gotlib et Brétécher, avant que ces deux dernier(e)s ne s’envolent pour d’autres folles aventures éditoriales…

Mandryka est absent de ce dixième numéro (mais bien sur crédité en tant que directeur de publication), qui comprend la présence du génial Alexis et son loufoque La publicité dans la joie, scénarisé par Gotlib. Le monstrueux Masse et son noir et blanc massif nous raconte Une soirée en famille digne de Kafka et Dali. Leconte qui, avant de se faire un nom en tant que réalisateur, était un dessinateur talentueux et prolifique (il a bossé pour Pilote, Mormoil, Fluide Glacial…) au style monolithique et absurde très personnel qui ma foi, vieilli plutôt bien. Gotlib lui, nous présente sa version hallucinante et déjantée de l’Exorciste, en pas moins de 16 pages. On sent qu’il se libère ici de toute ces années de frustrations et d’(auto-)censures accumulées au sein de Pilote et de Pif. Plus aucuns tabous de sa part, ça fornique, dégueule, sue, chie et trucide à tout va. Jubilatoire ! Brétécher ferme le bal avec l’histoire de Chandelle, une jeune frustrée qui porte bien son prénom.

Un numéro dix de l’Echo qui, dans sa forme (édito de Gotlib !) et son sommaire (excepté cette absence de rédactionnel), annonce le futur Fluide Glacial qui sortira l’année suivante, en 1975.

Y a pas à dire, Métal Hurlant était ce qui se faisait de mieux en cette époque de la fin des années 70. Pour preuve, le nombre de revues et fanzines qui s’en sont inspirés, même encore aujourd’hui. Un journal copieux (comprenant de nombreux dossiers complets, riches analyses et chroniques érudites) et généreux (sur cent pages en moyenne, de nombreuses bandes et illustrations d’auteurs prestigieux). Cette générosité constante est une preuve que la passion et le respect de son lectorat, étaient les principaux moteurs de la rédaction. Cette envie de partager, de faire connaître, fait de Métal Hurlant un journal-passeur, le prospecteur d’une nouvelle génération d’auteurs… Un lieu incontournable pour les grands artistes internationaux de la BD et de la SF.

Ce 39ème numéro comprend la présence de beau monde : Cornillon, Voss et son Kar War, Hermann et son Jérémiah, Druillet, Lob, Charlier & Gir avec leur Blueberry (en couleur !), Chaland, Margerin, Moebius et son garage hermetik, Paul Gillon et ses naufragés du temps…

La ‘formule Métal’ est ici à son summum : alchimie parfaite entre les auteurs « classiques » (Druillet, Moebius, Voss…) et les « modernes » (Chaland, Margerin…), la pure science fiction et l’humour absurde, la ligne claire et un graphisme plus chargé. Une revue qui reste d’une insolente modernité.

 

Street Life Stories (Editions Publia, 2002/2003)

Quand le Street Art s’immisce dans le neuvième, le pervertit de l’intérieur en dynamitant les codes, cela donne Street life stories, revue éphémère du début des années 2000. Extrait du premier édito qui annonce les intentions de la rédaction : « Où est passée la BD qui colle à l’actualité, qui raconte des histoires qui traitent du quotidien, qui reflète l’univers dont elle est issue. Un journal de BD qui réunirait des artistes issus de la culture urbaine peut-il toucher un vaste public ? Se référant à feu Métal Hurlant, magazine mythique des années 80 et à son succès à l’époque, nous pensons que oui. »

Sous la houlette du scénariste El Diablo (le créateur de la série d’animation Les Lascars), les auteurs enchaînent de courtes histoires drôles, parfois dramatiques, racontant les préoccupations d’une génération de jeunes urbains (draguer, s’éclater, taguer…), mais dans lesquels tout le monde peut se reconnaître.

L’équipe (dont certains membres font parti du collectif Kourtrajmé) fait preuve d’une incroyable inventivité formelle, tant narrative qu’esthétique, rarement vue dans une revue de bande dessinée. Le graphisme vif et puissant du tag s’adapte très bien au langage BD et apporte un rythme soutenu au découpage séquentiel de l’action.

La diversité des matières et des formes nous permet de prendre la pleine mesure de la richesse du Street Art. Graphisme stylisé propre aux tags de rue, style humoristique crade de Salch (façon Vuillemin), couleurs expressives (gouaches, pastels, feutres, numérisées) ou noir et blanc tranchant, romans photos déjantés… A l’image de PSAI, qui dans sa bande « Mon pote Francis » change de technique à chaque double page, de photos de sujets en pâte à modeler au dessin, en passant par le graffiti.

Dommage que cette revue n’ai pas durée plus de trois numéros. Peut-être n’a-t-elle pas su trouver son public. Car bien que la bande dessinée et les arts de la rue soient « amis » (le groupe Bazooka se situe entre les deux disciplines ; des artistes tels Basquia, Keith Haring ou Miss.tic se réfèrent beaucoup à la bande dessinée), proches de par leurs préoccupations esthétiques et leur dimension « populaire », il semblerait qu’ils possèdent chacun leur public. Et que ces derniers aient peu en commun…

Quelques planches…