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Brèves de chroniques #5

Frissons d’espace – Denis Jourdin (Futuropolis, 1989)

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Sorti en 1989 dans la collection X de Futuropolis (l’ancien), Frisson d’espace est un récit d’espionnage industriel sur fond de guerre froide. Guy Lamour, un ingénieur bossant sur la fusée Ariane, se retrouve la cible d’un complot visant à lui soutirer des plans pour les services secrets soviétiques. Nina Jalousesco est chargée de l’amadouer mais tombe sous son charme et compromet toute l’opération… La particularité de Denis Jourdin est qu’il n’aime pas les phylactères, alors que ses personnages sont bavard. Du coup, les mots débordent sur les visages et les décors, sans pour autant surcharger les cases. Sa ligne claire bancale est très lisible. Ses formes excessives et stylisées m’évoquent un Mokeit light ou un Rémi soft.

Lapin n° 28 (L’Association, Mai 2001)

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On retrouve Jourdin dans le Lapin n°28 qui date de 2001, soit en pleine période faste, loin des guerres intestines qui bousculeront l’Association quelques années plus tard. En atteste la présence des six fondateurs, ainsi que le noyau dur d’amis et collaborateurs (Anne Baraou, Ayroles, Sfar, Blain, Parrondo, Gerner, Blanquet, Satrapi, Benoit Jacques, Valoni, Placid…). Un numéro de la deuxième formule (« quinquannuelle ») comprenant des récits courts conçus pour l’occasion (pas de pré-publication). Ainsi qu’un dossier sur le festival de Bastia 2001, prenant la forme d’une succession de strips réalisés par divers auteurs (procédé que l’on retrouvera dans l’Éprouvette). Un numéro de haute tenue, pertinent et passionnant à lire, même quatorze ans après sa sortie.

La Putain P – De Vries & Feuchtenberger (L’Association, 1999)

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La Putain P des allemands De Vries et Feuchtenberger ne raconte pas l’histoire d’une, mais de trois putains. La première n’arrive pas à aimer, la deuxième est en quête d’amour et la troisième cherche une naissance… Soit trois variations sur la notion de désir. Il se dégage une forte personnalité du graphisme de Feuchtenberger, qui s’inscrit dans la lignée des expressionnistes : de nombreuses contre plongées, des perspectives distordues, des noirs gris et blancs sales et charbonneux, mal coloriés… Un album de l’Asso exigeant, tant dans sa forme que son propos, qui ne brosse pas le lecteur dans le sens du poil. Tout pour déplaire à Mr Filippini en somme.

Gorgonzola n°20 – (l’Égouttoir – Déc 2014)

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Comment ça vous n’avez pas encore le dernier Gorgonzola !? Mais il faut vous le procurer de suite ! Pour ceux qui l’ignorent encore, Gorgonzola est le fanzine des éditions de l’Égouttoir, chapeauté par le sieur Maël Rannou. Alors bon, quand on dit fanzine, faut pas toujours s’attendre à du papier photocopié au noir et blanc baveux. Gorgonzola est beau, solide, coloré, généreux. La revue d’un fan, réalisée de manière professionnelle (en gros, un prozine), qui met tout en œuvre pour offrir aux auteurs invités un espace de diffusion respectueux de leur travail.

Vingt numéros en dix ans d’existence, c’est une belle évolution pour une revue auto-produite. Rannou a réussi à contacter et convaincre une kyrielle de bons dessinateurs pour participer à l’aventure. Au fil du temps, il s’est constitué un noyau dur d’auteurs réguliers, tout en laissant la porte ouverte à de nouvelles recrues. Maël nous l’explique : « … contrairement à beaucoup d’autres fanzines, nous ne sommes pas nés d’une bande d’école ou de vieux amis. Dès l’origine, il s’agissait avant tout de réunir des auteurs divers, inconnu ou non, de différents pays et styles, pour peu qu’ils aient une démarche d’auteur reconnaissable permettant de donner un aperçu de la diversité de la bande dessinée alternative ».

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Pour ce vingtième numéro, pas de célébration particulière ni d’auto-satisfaction démesurée. Seulement un contenu de qualité. Et il a raison, c’est ce qu’il fait de mieux. En regardant le menu dans le détail, la diversité des formes et des propos est bien là. Entre le minimalisme assumé de Tony et les récits sensibles de Simon Hureau, l’autobiographie sociale de Jean Bourguignon et les mondes absurdes d’Olivier Texier, les gaufriers expressionnistes de Vincent Lefèbvre et l’onirisme old school de Léo Quivreux, les planches quasi abstraites d’Alex Chauvel ou le superbe graphisme d’Yvang qui, avec ces effets de trame et ces textes en cartouches (en fait d’anciennes « rubriques de chiens écrasés »), évoquent les périodiques du début XXème… Le tout dans un noir et blanc riche de gris, sur du beau papier glacé. 192 pages au format A5 de belle facture (10euros seulement) ! Si vous le trouvez en librairie, retenez l’adresse, c’est une bonne librairie. Sinon, on peut se le (les) procurer chez l’Egouttoir.

Depuis le n°18, Maël y joint un dossier complet, focalisant sur un acteur essentiel de bande dessinée « autre ». Après la revue Viper et le dessinateur Poirier, c’est au tour de trois auteurs-créateurs de fanzines (Filipandré, Gerbaud et El Chico Solo) d’être mis en lumière. Des interviews qui retracent leurs riches parcours et nous permettent de cerner trois générations (70′, 80′ et 90′) de fanzinat. Petite info du chef, le prochain dossier concernera les éditions Artefact, une bonne idée.

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Yvang

Fables Amères (de tout petits riens) – Chabouté (Vents d’Ouest, 2010)

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Christophe Chabouté s’est fait une spécialité des récits longs, prenant ainsi le temps de développer une intrigue, des situations, des psychologies (Tout Seul, La Bête, Terre-Neuvas…). Avec ces fables amères, il excelle également dans le format court. Bien que l’ensemble peut se lire comme une déclinaison d’un même thème (l’isolement dans nos sociétés urbaines), Chabouté respecte le format propre à la discipline, chaque nouvelle se lisant indépendamment des autres, se suffisant à elle-même.

L’amertume est bien la sensation diffuse qui se dégage de ces fables. La relation virtuelle passionnée entre deux voisins qui s’ignorent, le passé lumineux et le présent gris d’un travailleur immigré, les bobos qui veulent changer leur intérieur, indifférents au SDF qui survie sur leur palier ou encore cette caissière qui, suite au décès de son père, se remémore une surprise ratée qu’elle voulait lui faire étant enfant… Les personnages subissent ce que l’on pourrait appeler des « confrontations silencieuses », tous tiraillés entre leurs aspirations et la dure réalité de leur existence. Rencontres ratées, ignorance de l’autre, incommunicabilité, il est clair que ce qu’ils vivent dans leur quotidien ne peut que leur laisser un sale goût dans la bouche (et explique la tristesse qui se lit sur leur visage). Ce recueil nous rappelle une amère vérité : nous sommes toujours seuls dans la détresse.

Chabouté trace sa route à l’écart des courants. Il a su développer un graphisme particulier, reconnaissable entre mille, s’appuyant sur un noir et blanc tranchant. Il transpire de ce réalisme expressionniste un peu maladroit une forte personnalité, une remarquable puissance d’évocation. Les tout petits rien du sous titre sont tout sauf insignifiants. Ils sont lourds de sens pour ceux qui les vivent et ne peuvent nous laisser insensible, tant Chabouté dit beaucoup avec une formidable économie de moyens.

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Art Monstre (Café Creed, 2013)

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Revisiter par la bande le thème du Monstre dans l’Art, telle est l’ambition première de cet ouvrage. Non pas la figure du Monstre, mais plutôt ses créateurs. Ces démiurges de l’ombre qui, au travers de leurs œuvres hallucinantes, effrayantes pour certains, poétiques pour d’autres, nous confrontent à la bête qui est en nous. Comme le précise Bataille,« Le « monstre » est une anomalie effroyable mais il est aussi peut-être, celui qui doit exister »(in « Gilles de Rais »). Les 22 auteurs invités pour l’occasion ont quatre planches chacun pour aborder le maître du monstrueux qui leur semble le plus significatif, qui les a sûrement traumatisés.

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Nicolas Gazeau

Il est d’évidentes rencontres. Terreur Graphique use de ses difformités et de ce noir et blanc tranchant plutôt dérangeant – qu’il a exploré dans son remarquable Rorschach – pour aborder le cinéaste fou Tod Browning. Nicolas Gazeau imagine la première rencontre entre David Cronenberg et William Burroughs, à l’occasion de l’adaptation du Festin Nu, évoquant par des détails les œuvres monstres du réalisateur canadien (La Mouche, Videodrome ou Scanners…) qui ne peuvent que satisfaire l’écrivain junkie. Le choix d’une itération iconique (contrainte oubapienne spécifique au vocabulaire BD) est judicieux pour accentuer cet impression d’espace-temps suspendu. Le trait réaliste et torturé de Natacha Sicoud convient à merveille pour mettre en scène les sculptures hyperréalistes et démesurées de Ron Mueck. Les dessins noirs et blancs épurés de Monsieur Pimpant focalisent sur les sculptures (sex-toys) déformées d’Hans Bellmer. Le graphisme proche de la gravure de Matthias Lehmann ne peut que convenir pour présenter les œuvres du graveur Jacques Callot. Usant d’images fortes, brutes et colorées, Thibault Balahy (qui est à l’initiative de ce projet) retrace le parcours artistique de David Lynch en quelques étapes clés. Dr Lagrange use de photomontages et couleurs flashy pour parler du roi du Pop Art. Laureline Mattiussi perd littéralement la tête face à l’univers déjanté de James Ensor…

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Thibault Balahy

Si l’on retrouve des artistes incontournables, j’en découvre qui m’étaient parfaitement inconnus : Pierre Molinier par Rémy Cattelain, Mikhaïl Boulgakov par Lorenzo Chiavini, José Mojica Marins par Taillefer et Caetano, Joel Peter Witkin par Amandine Ciosi. D’autres par contre, étonnent de par leur présence. Cependant, le Monstre n’est pas que synonyme d’horreur, de cruauté et de folie. Il symbolise aussi l’autre, l’étranger, le différent. Métaphore de ce qu’il peut y avoir de dérangeant dans l’humanité. De fait, Pierre Culliford, alias Peyo, ou Hayao Miyazaki ont légitimement leur place aux côtés des Hans Bellmer ou autres James Ensor. L’auteur de la préface rappelle, à juste titre, qu’il manque d’inévitables créateurs qui ont placés le monstre au centre de leurs préoccupations artistiques, tels que Druillet, Breccia, Moebius, Burns, Blanquet, Konture, Woodring ou le Japonais Shigeru Mizuki. J’ajouterai quelques incontournables oubliés : Goya, Lovecraft, William Blake, Odilon Redon, Jodorowski ou Topor…

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Ambre

L’ensemble varie en fonction des univers graphiques de chacun. On passe d’un style à l’autre, d’un monstre à l’autre, dans une parfaite complémentarité. Certains auteurs paraissent plus « armés » pour aborder ces figures légendaires : le noir et blanc expressionniste d’Ambre sied parfaitement à l’univers sombre du dessinateur Alfred Kubin. Alors que le style humoristique de Lucas Varela paraît trop léger pour évoquer l’enfer de Dante. Mais c’est là que réside tout l’intérêt de cet ouvrage : prendre définitivement conscience que les clivages n’ont plus lieu d’être, que le médium est depuis longtemps assez mature pour rejeter tout complexes vis à vis des autres Arts. Comme il est rappelé en préface : « Qu’on l’appelle Neuvième Art ou pas, elle conserve, quand elle ne se contente pas de recycler ses vieilles recettes, un formidable appétit pour les autres formes artistiques ».

La bande dessinée, dans sa variété narrative et formelle, peut apporter de nouveaux regards, des réflexions originales sur tous les domaines artistiques qu’elle aborde. Anne Simon (s’attaquant à Adam et Eve chez Hieronymus Bosch) ou Lucas Varela nous le démontrent, un graphisme léger et enfantin peut rendre compte avec pertinence d’une esthétique dérangeante et dérangée.

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Lucas Varela

A priori, les Arts visuels supportent mieux le passage par la bande. Les images fortes d’un film (Browning, Lynch, Murnau) ou d’un peintre (Bosch, Ensor, Warhol) deviennent – lorsqu’ils sont revisités par un autre dessinateur – de formidables citations, à l’incroyable puissance d’évocation (voir les superbes planches chronophotographiques de François Matton, retranscrivant les dernières secondes de Nosferatu). Mais les monstres littéraires ne sont pas en reste (Jonathan Swift par Sophie Darcq et Yann De La Ronde, Le vilain petit canard d’Andersen par Cléo Germain).

Un ensemble hétérogène. Il y manque peut-être une ligne directrice plus précise (au niveau des domaines artistiques, des époques, des genres…). D’un autre côté, cet Art Monstre amène de nombreuses découvertes, et nous démontre à chaque page, la monstrueuse diversité de la neuvième chose. A ce titre, c’est clairement réussi.

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Natacha Sicaud

Art Monstre

Café Creed

 

Brèves de chroniques #1

 Une histoire d’hommes – Zep (Rue de Sèvres, 2013)

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Zep sort un album que bons nombres qualifient de « plus adulte ». Oui, dans la mesure où ce n’est pas du Titeuf, on peut en déduire qu’il souhaite élargir son lectorat et aspire à raconter des histoires de personnages plus matures, plus proches de ses propres préoccupations. S’il avait déjà abordé des thèmes plus adultes avec Découpé en tranches ou sa série des « Happy », la grande nouveauté est qu’il ne fait pas dans l’humour. Une histoire d’hommes nous raconte, sur un mode réaliste, les retrouvailles d’une bande d’amis musiciens devenus quadras. Joies, regrets, jalousies et pardons, tous les ingrédients de la fameuse « middle life crisis » sont présents. Zep maîtrise parfaitement l’art de l’ellipse et des non-dits . Ne boudons pas notre plaisir d’apprécier un album d’honnête facture.

 La tente sur le toit – Laure du Faÿ (Warum, 2009)

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Un homme perd tout ce qu’il a dans l’incendie de son appartement. Un ami qui ne peut l’héberger lui prête une tente et un duvet. Il décide alors de s’installer sur le toit de son lieu de travail… Laure de Faÿ s’est inspiré d’une nouvelle d’un auteur nippon (Shiina Makoto). Et bien qu’ avec son trait expressionniste, son noir et blanc charbonneux et ses formes stylisées, elle évite l’écueil d’un graphisme « à la japonaise », elle installe une ambiance narrative très naturaliste dont la sensibilité est proche de certains mangakas. Son récit muet (tout en impression, qui n’explique rien) repose sur la force d’évocation des images. La narration oscille entre enchaînements rapides de séquences, lorsque le personnage est dans la vi(ll)e active, et images contemplatives quand il est sur son toit. Une parabole sur l’ouverture d’esprit et d’horizons, salutaire face à ce monde préformaté.

Warum éditions

 The Joke – Luz (Les requins marteaux, 2013)

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S’il n’aime pas la chanson française, Luz adore The Fall. Groupe post punk anglais des années 70 qui malgré son nom (la chute) est toujours en activité. The Joke s’attarde essentiellement sur Mark E.Smith, le leader omnipotent (il vire régulièrement tous ses musiciens) qui chante comme un canard, ne s’exprime que par des « The Joke » (d’où le titre) et dont le taux d’alcoolémie dépasse largement le niveau de décibel. Adepte du comique de répétition et des comparaisons bien connes (Mark E.Smith est un croisement entre Dave et Popeye!), Luz enchaîne des anecdotes vraies (en concert ou en interview) et de bons gros délires, imaginant E.Smith croisant l’esprit d’Elvis Presley dans un chiotte, se faisant draguer par un canard ou rencontrant ses muses (dont il n’a rien à foutre). C’est sur qu’il vaut mieux connaître un minimum le groupe et aimer Luz pour apprécier cet album. Pour les autres, on ne peut rien faire…

Les requins marteaux

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