Topor et le cinéma – Daniel Laforest (Nouvelles éditions Place, 2020)

Les Nouvelles Editions Place ont lancé une remarquable « Collection des poètes », qui propose des éclairages sur les rapports qu’entretiennent des artistes iconoclastes (Duchamp, Breton, Picabia, Prévert, Pérec, Queneau…) avec le cinéma. Heureuse initiative que d’avoir mis Roland Topor au casting de cette collection. Daniel Laforest nous présente un ouvrage passionnant, dressant ainsi un panorama complet de toutes les contributions de Roland au 7ème Art.

Prenant la forme d’une monographie, cet opus décortique les rapports ambigus et pourtant passionnés qu’entretenait Roland avec le monde du cinéma. Des relations placées sous le signe de l’attraction-rejet. Car Roland, maitre incontesté de l’image fixe, creusant sans relâche les potentialités infinies du dessin, se méfiait grandement des images en mouvement. Ce n’est pas anodin d’ailleurs de constater que ses premières contributions cinématographiques sont des apparitions de ses dessins (donc des images fixes) dans la séquence de la lanterne magique du Casanova de Fellini ou aux génériques de Qui Etes-vous Poly Maggoo de William Klein et Viva la Muerte d’Arrabal. Survolant ses compositions, seule la caméra est en mouvement.

Ses collaborations avec René Lalloux démontrent une défiance pour l’animation classique, au profit d’un travail sur le mouvement plus « primitif », générant une impression de « dessins qui bougent ». Ce qui sera la marque de fabrique des films d’animation de Roland.

Sa contribution au cinéma l’est aussi par l’écriture. De l’adaptation de son premier roman par Polanski à la participation à la co-scénarisation des films de Lalloux. Sans oublier ses collaborations télévisuelles avec ses amis Ribes, Gébé et Gourio pour Merci Bernard et Palace.

Daniel Laforest aborde également le rapport particulier qu’entretenait Roland avec la pantomime et les marionnettes (de Téléchat à Marquis), qui lui permettent de bousculer une fois encore cette représentation du mouvement cinématographique classique. Même lorsqu’il fait l’acteur (pour le Nosferatu d’Herzog par exemple), ses personnages sont excessivement expressif, outrancier, exagérant les mouvements et attitudes jusqu’à l’absurde.

Présentation de l’éditeur : « Roland Topor a été dessinateur, écrivain, plasticien, illustrateur, peintre, chroniqueur satiriste, décorateur scénique, marionnettiste, scénariste télévisuel. Or, lui qui se moquait des clivages artistiques a entretenu une méfiance singulière vis-à-vis du cinéma. Mais comme le génie du dilettantisme tient dans la contradiction, la méfiance ne l’a pas empêché de déployer une vaste activité en lien avec le monde cinématographique. D’abord à travers des commandes publicitaires, puis des projets d’animation, enfin l’adaptation par Roman Polanski de son premier roman. En parallèle sont apparues des co-scénarisations, quelques seconds rôles et une pléthore de figurations. Activités auxquelles la coréalisation en 1989 d’un film remarqué,  quoique encore mal compris, a apporté le point d’orgue. La rencontre de Topor et de l’art cinématographique évoque celle de l’enfance et du jouet. Celui-ci instille en effet dans le cinéma un poison qui le secoue, un certain ébahissement de l’enfance qui a autant partie liée avec le rire aux éclats qu’avec les terreurs nocturnes. »

METAL HURLANT (2021)

Metal Hurlant revient et je ne sais pas vraiment quoi penser de cette résurrection. De la revue en elle-même et de l’engouement quasi unanime de la presse généraliste.

Le futur est parmi nous, c’est un fait qui se vérifie tous les jours (mondes virtuels, crise écologique, transhumanisme…). Les concepteurs de ce nouveau Métal (issus de l’équipe des cahiers de la bande dessinée) inventent à leur manière le voyage dans le temps, en nous faisant apparaitre la revue Metal Hurlant en 2021, dans des kiosques à journaux qui existent encore… Sauf qu’on se croirait dans retour vers le futur II quand Marty atterrit dans un présent parallèle (Biff land). C’est un même objet, qui a le même nom. Mais c’est un fake. Comme pour les éditions Futuropolis, reprendre un nom évocateur et prestigieux ne garantit pas une filiation de qualité.

Alors à quoi bon ? Coup marketing pour attirer les vieux nostalgiques (friqués de surcroit, car 20€ quand même) ? A leur décharge, s’attaquer à un mythe, dont la portée n’était absolument pas calculée mais dont l’onde de choc résonne encore maintenant dans les arts visuels (cinéma, bande dessinée, manga mais aussi littérature, art contemporain, street art ou jeu vidéo…) est sacrément osé. Et amène d’inévitables comparaisons…

Je n’ai pas connu Métal Hurlant à sa sortie. Je ne peux qu’imaginer l’impact qu’il a eu à son époque. Par contre, j’en ai pris plein la gueule depuis. Et comme beaucoup, on ne peut qu’adouber cette revue, ceux qui y ont contribué et leurs bandes incroyables. Une certaine vision sans concessions du futur…

En fait, ce qui me dérange, c’est le côté trop propre et trop pro de ce nouveau Métal. Les articles et interviews (au demeurant très intéressantes) sont impeccablement menées. Trop. On ne retrouve pas la dimension amateur et foutraque qui faisait la particularité des éditos, des articles et de la maquette du premier Métal. Ça manque d’improvisation et de fantaisie tout ça. Niveau contenu c’est la même chose, j’espérais découvrir du bizarre, du dérangeant, du bousculant, et je ne trouve que du conventionnel, du prévisible, du rassurant. Bablet, Berliac, Sillard, Alfred et Ugo Bienvenu (qui signe la couverture) s’en sortent le mieux, mais ça reste esthétiquement bien sage tout ça (si l’on compare avec les planches hallucinantes et hallucinées des Corben, Druillet, Nicollet, Moebius, Caza, Voss ou autres Liberatore…). SF réaliste, humoristique, manga, comics, roman graphique en noir et blanc, on sent la volonté de respecter une diversité de styles, – qui était la marque de fabrique du premier Métal (avec la « ligne claire » et « ligne crasse ») – histoire de plaire à tout le monde. Mais ça, ce n’était pas la marque de fabrique du Métal historique.

Ce nouveau nouveau premier numéro (n’oublions pas le retour foiré de Métal Hurlant au début des années 2000 par les Humanoïdes Associés) est un pétard mouillé. Laissons une chance au deuxième numéro, qui sans risques et pour bien enfoncer le clou de la filiation, devrait compiler des planches du Métal historique…

Mathieu Bablet

Festival BD Normandiebulle (Darnetal, 2021)

Affiche de EMEM

Le festival Normandiebulle a rouvert ses portes ce dernier weekend de septembre et ça fait plaisir. Une reprise en douceur, dans un contexte qui explique cette programmation presqu’exclusivement normande (à l’exception notable de la venue de Mézières). De fait, on constate la relative notoriété de la bande dessinée made in Normandie, avec Fred Duval et Emem, Steve Baker, Jean-Marie Minguez ou Julien Hugonnard-Bert. Cette bande dessinée conçue dans la pure tradition du genre n’est pas ma tasse de thé. Mais je reconnais les qualités et la sincérité de ces auteurs. J’ai donc fait le déplacement pour rencontrer Hughes Barthe, Emmanuel Lemaire et Jérôme Sirou. Des auteurs qui œuvrent dans un registre qui me conviens mieux.

Hughes Barthe (que je connaissais pour avoir animé des ateliers BD à la librairie Funanbulles de Rouen). J’avais bien aimé ses deux albums  L’été 79 et L’automne 79 et me procure son dernier Hugo est gay. Un échange sympathique autour des auteurs nord-américains qui influencent son travail : les canadiens Seth, Chester Brown, Rabagliati ou Joe Matt, qui a sa préférence. Mais son auteur de prédilection, c’est Chris Ware… What else ?

Emmanuel Lemaire, dont j’ai déjà dit le bien que je pensais de son Rouen par cent chemins différents. Il a eu l’occasion de lire mon article et aux vues de sa réaction, j’en déduis ne pas avoir dit trop de conneries. Il m’explique qu’un journaliste lui avait reproché de ne pas reconnaitre Rouen dans son album. Il n’a pas compris que Lemaire a simplement dessiné SA ville et pas LA ville de tout le monde… J’aurai parié qu’il avait fait des études d’archi mais non. Il se considère comme un autodidacte, qui a tout de même pris des cours du soir aux Beaux Arts avec son ami Olivier.

Et enfin, Sirou. Jérôme de son prénom. Un auteur que j’affectionne depuis des lustres (d’abord dans les pages du Psiko, puis avec ses livres autoédités), mais que je rencontre pour la première fois. On a eu cette impression commune de se connaitre depuis longtemps (« on s’est déjà vu ?» me dit-il). En fait, j’ai déjà eu une dédicace de lui, mais faite par procuration. Et depuis le temps que je lis ses mésaventures, je peux dire que je le connais bien. Lui aussi a eu l’occasion de lire mes petits articles le concernant, et ça fait plaisir de savoir qu’il les a appréciés. 3 dédicaces, pour les 3 ouvrages qui me manquaient. Bref, cette rencontre a confirmé ce que je pensais de Sirou : c’est un gars authentiquement sympathique ! (je te confirme que je n’ai trouvé aucune réponse à tes jeux !).

La Grimace – Vincent Vanoli (l’Association, 2021)

La grimace de Vincent Vanoli porte bien son nom. Tous ses personnages font la gueule. Et on comprend pourquoi, tant cette région de la Meurthe-et-Moselle est sinistrée depuis des lustres. La poussière de charbon des aciéries est partout présente, alors que l’activité industrielle n’est plus qu’un douloureux souvenir. Les rues, les murs, les gens, tout est gris. Même ces scènes d’extérieur sentent le renfermé, les espaces verts sont glauques. Ce noir et blanc charbonneux avec ces gris sales apportent une dimension mélancolique à son univers pictural, qui m’évoque surtout le Merveilleux des contes de fée, avec ces intérieurs labyrinthiques et ces extérieurs expressionnistes. On ne sait ce qu’on va découvrir la page d’après.

Vanoli explique très bien en postface pourquoi il se représente en adulte alors qu’il nous raconte sa jeunesse. C’est simplement pour ne pas tricher. Se mettre en scène sous les traits de l’enfant qu’il était n’est qu’un ressort narratif bidon. Car son enfance, il nous la raconte de son point de vue de quinquagénaire bien entamé (rien de péjoratif dans mon propos, on y passe tous !). Son regard sur ce qu’il a vécu et ressentit n’est plus le même qu’à l’époque.  Une enfance à part, repliée sur elle-même, réfugiée dans l’imaginaire, rythmée par les saisons, les colos de vacances et les compétitions de handball. Vanoli tente de conserver la vision magique de l’enfant, même si l’on sent dernière la désillusion et une certaine forme de nostalgie.

Vanoli ne triche pas non plus avec les divagations de la mémoire. Son récit est structuré de manière vaguement chronologique, reposant sur un rythme décousu, enchainant les scènes et les souvenirs comme on passe du coq à l’âne. A tels points que lire ces planches dans le désordre serait sans conséquence sur la compréhension du récit. Les titres à chaque page nous aident à faire sens. Son graphisme est à l’avenant : rien n’est linéaire, aucunes lignes droites, tout est alambiqué. Les meubles et les architectures sont toutes de guingois. Les personnages aussi. Une collection de gueules dignes de la cour des miracles.

Une histoire en morceaux, comme Vanoli lui-même à la fin de l’album, qui tente de recomposer comme il peut les diverses parties de son corps. Ce morcellement illustre son état d’esprit quand il revient de ses errances mentales et découvre une ville qu’il ne reconnait plus. Il croise son moi d’enfant qu’il essaye tant bien que mal de suivre. Mais comme chantait l’autre : « Enfin le temps perdu qu’on ne rattrape plus« …

Rouen par cent chemins différents – Emmanuel Lemaire (Warum, 2018)

Celles et ceux qui connaissent Rouen savent que l’on peut la traverser en long, en large et en travers sans jamais prendre deux fois le même chemin. La cité aux cent clochers est aussi la ville aux mille rues, faite de chemins de traverses et de faux culs de sacs.

Malgré son titre, Emmanuel Lemaire ne nous parle pas que de sa ville. On apprend rapidement que cette histoire devait être autobiographique et concernait sa vie de couple. Mais suite au départ de sa compagne, elle s’est fatalement transformée en un récit sur l’errance et la reconstruction. Emmanuel Lemaire raconte de manière subtile, tout en impressions, les conséquences de sa rupture et les moyens (parfois obsessionnels) qu’il invente pour supporter cette situation difficile, retrouver le goût des autres et des petites choses, la légèreté et le rire. En particulier ce drôle de rituel consistant à ne jamais emprunter quotidiennement le même trajet de chez lui à son travail.

J’ai eu l’occasion de découvrir le travail d’Emmanuel Lemaire lors de l’exposition « Architectures dessinées » à la Maison de l’Architecture de Normandie en 2017. J’aime bien son trait fin et dynamique, son travail sur les verticales et horizontales qui structurent ses compositions sans les saturer. Son style sied à merveille pour dessiner la Ville (Rotterdam, Rouen, Paris…), multipliant les focales, allant des plans d’ensemble aux détails d’un monument. Il sait aussi croquer des portraits attachants de ses contemporains, dressant un panorama assez juste des personnages que l’on croise régulièrement dans les rues de Rouen : un ancien collègue « l’homme au teckel », son ami Olivier le libraire (au Grand Nulle Part, pour ceux qui connaissent), un groupe de marins laotiens en escale, un punk à chien sans chien…)

Qu’elles soient graphiques ou psychologiques, Lemaire cherche les lignes de fuite. Il est en quête et trouve dans ces déambulations et ses rencontres les petits remèdes à sa morosité grimpante, une nouvelle direction à son récit et, par extension, à son existence. Rouen peut-être une ville triste. Mais elle peut, si l’on trouve les bons angles d’approches, être d’un grand réconfort.