METAL HURLANT (2021)

Metal Hurlant revient et je ne sais pas vraiment quoi penser de cette résurrection. De la revue en elle-même et de l’engouement quasi unanime de la presse généraliste.

Le futur est parmi nous, c’est un fait qui se vérifie tous les jours (mondes virtuels, crise écologique, transhumanisme…). Les concepteurs de ce nouveau Métal (issus de l’équipe des cahiers de la bande dessinée) inventent à leur manière le voyage dans le temps, en nous faisant apparaitre la revue Metal Hurlant en 2021, dans des kiosques à journaux qui existent encore… Sauf qu’on se croirait dans retour vers le futur II quand Marty atterrit dans un présent parallèle (Biff land). C’est un même objet, qui a le même nom. Mais c’est un fake. Comme pour les éditions Futuropolis, reprendre un nom évocateur et prestigieux ne garantit pas une filiation de qualité.

Alors à quoi bon ? Coup marketing pour attirer les vieux nostalgiques (friqués de surcroit, car 20€ quand même) ? A leur décharge, s’attaquer à un mythe, dont la portée n’était absolument pas calculée mais dont l’onde de choc résonne encore maintenant dans les arts visuels (cinéma, bande dessinée, manga mais aussi littérature, art contemporain, street art ou jeu vidéo…) est sacrément osé. Et amène d’inévitables comparaisons…

Je n’ai pas connu Métal Hurlant à sa sortie. Je ne peux qu’imaginer l’impact qu’il a eu à son époque. Par contre, j’en ai pris plein la gueule depuis. Et comme beaucoup, on ne peut qu’adouber cette revue, ceux qui y ont contribué et leurs bandes incroyables. Une certaine vision sans concessions du futur…

En fait, ce qui me dérange, c’est le côté trop propre et trop pro de ce nouveau Métal. Les articles et interviews (au demeurant très intéressantes) sont impeccablement menées. Trop. On ne retrouve pas la dimension amateur et foutraque qui faisait la particularité des éditos, des articles et de la maquette du premier Métal. Ça manque d’improvisation et de fantaisie tout ça. Niveau contenu c’est la même chose, j’espérais découvrir du bizarre, du dérangeant, du bousculant, et je ne trouve que du conventionnel, du prévisible, du rassurant. Bablet, Berliac, Sillard, Alfred et Ugo Bienvenu (qui signe la couverture) s’en sortent le mieux, mais ça reste esthétiquement bien sage tout ça (si l’on compare avec les planches hallucinantes et hallucinées des Corben, Druillet, Nicollet, Moebius, Caza, Voss ou autres Liberatore…). SF réaliste, humoristique, manga, comics, roman graphique en noir et blanc, on sent la volonté de respecter une diversité de styles, – qui était la marque de fabrique du premier Métal (avec la « ligne claire » et « ligne crasse ») – histoire de plaire à tout le monde. Mais ça, ce n’était pas la marque de fabrique du Métal historique.

Ce nouveau nouveau premier numéro (n’oublions pas le retour foiré de Métal Hurlant au début des années 2000 par les Humanoïdes Associés) est un pétard mouillé. Laissons une chance au deuxième numéro, qui sans risques et pour bien enfoncer le clou de la filiation, devrait compiler des planches du Métal historique…

Mathieu Bablet

Festival BD Normandiebulle (Darnetal, 2021)

Affiche de EMEM

Le festival Normandiebulle a rouvert ses portes ce dernier weekend de septembre et ça fait plaisir. Une reprise en douceur, dans un contexte qui explique cette programmation presqu’exclusivement normande (à l’exception notable de la venue de Mézières). De fait, on constate la relative notoriété de la bande dessinée made in Normandie, avec Fred Duval et Emem, Steve Baker, Jean-Marie Minguez ou Julien Hugonnard-Bert. Cette bande dessinée conçue dans la pure tradition du genre n’est pas ma tasse de thé. Mais je reconnais les qualités et la sincérité de ces auteurs. J’ai donc fait le déplacement pour rencontrer Hughes Barthe, Emmanuel Lemaire et Jérôme Sirou. Des auteurs qui œuvrent dans un registre qui me conviens mieux.

Hughes Barthe (que je connaissais pour avoir animé des ateliers BD à la librairie Funanbulles de Rouen). J’avais bien aimé ses deux albums  L’été 79 et L’automne 79 et me procure son dernier Hugo est gay. Un échange sympathique autour des auteurs nord-américains qui influencent son travail : les canadiens Seth, Chester Brown, Rabagliati ou Joe Matt, qui a sa préférence. Mais son auteur de prédilection, c’est Chris Ware… What else ?

Emmanuel Lemaire, dont j’ai déjà dit le bien que je pensais de son Rouen par cent chemins différents. Il a eu l’occasion de lire mon article et aux vues de sa réaction, j’en déduis ne pas avoir dit trop de conneries. Il m’explique qu’un journaliste lui avait reproché de ne pas reconnaitre Rouen dans son album. Il n’a pas compris que Lemaire a simplement dessiné SA ville et pas LA ville de tout le monde… J’aurai parié qu’il avait fait des études d’archi mais non. Il se considère comme un autodidacte, qui a tout de même pris des cours du soir aux Beaux Arts avec son ami Olivier.

Et enfin, Sirou. Jérôme de son prénom. Un auteur que j’affectionne depuis des lustres (d’abord dans les pages du Psiko, puis avec ses livres autoédités), mais que je rencontre pour la première fois. On a eu cette impression commune de se connaitre depuis longtemps (« on s’est déjà vu ?» me dit-il). En fait, j’ai déjà eu une dédicace de lui, mais faite par procuration. Et depuis le temps que je lis ses mésaventures, je peux dire que je le connais bien. Lui aussi a eu l’occasion de lire mes petits articles le concernant, et ça fait plaisir de savoir qu’il les a appréciés. 3 dédicaces, pour les 3 ouvrages qui me manquaient. Bref, cette rencontre a confirmé ce que je pensais de Sirou : c’est un gars authentiquement sympathique ! (je te confirme que je n’ai trouvé aucune réponse à tes jeux !).

La Grimace – Vincent Vanoli (l’Association, 2021)

La grimace de Vincent Vanoli porte bien son nom. Tous ses personnages font la gueule. Et on comprend pourquoi, tant cette région de la Meurthe-et-Moselle est sinistrée depuis des lustres. La poussière de charbon des aciéries est partout présente, alors que l’activité industrielle n’est plus qu’un douloureux souvenir. Les rues, les murs, les gens, tout est gris. Même ces scènes d’extérieur sentent le renfermé, les espaces verts sont glauques. Ce noir et blanc charbonneux avec ces gris sales apportent une dimension mélancolique à son univers pictural, qui m’évoque surtout le Merveilleux des contes de fée, avec ces intérieurs labyrinthiques et ces extérieurs expressionnistes. On ne sait ce qu’on va découvrir la page d’après.

Vanoli explique très bien en postface pourquoi il se représente en adulte alors qu’il nous raconte sa jeunesse. C’est simplement pour ne pas tricher. Se mettre en scène sous les traits de l’enfant qu’il était n’est qu’un ressort narratif bidon. Car son enfance, il nous la raconte de son point de vue de quinquagénaire bien entamé (rien de péjoratif dans mon propos, on y passe tous !). Son regard sur ce qu’il a vécu et ressentit n’est plus le même qu’à l’époque.  Une enfance à part, repliée sur elle-même, réfugiée dans l’imaginaire, rythmée par les saisons, les colos de vacances et les compétitions de handball. Vanoli tente de conserver la vision magique de l’enfant, même si l’on sent dernière la désillusion et une certaine forme de nostalgie.

Vanoli ne triche pas non plus avec les divagations de la mémoire. Son récit est structuré de manière vaguement chronologique, reposant sur un rythme décousu, enchainant les scènes et les souvenirs comme on passe du coq à l’âne. A tels points que lire ces planches dans le désordre serait sans conséquence sur la compréhension du récit. Les titres à chaque page nous aident à faire sens. Son graphisme est à l’avenant : rien n’est linéaire, aucunes lignes droites, tout est alambiqué. Les meubles et les architectures sont toutes de guingois. Les personnages aussi. Une collection de gueules dignes de la cour des miracles.

Une histoire en morceaux, comme Vanoli lui-même à la fin de l’album, qui tente de recomposer comme il peut les diverses parties de son corps. Ce morcellement illustre son état d’esprit quand il revient de ses errances mentales et découvre une ville qu’il ne reconnait plus. Il croise son moi d’enfant qu’il essaye tant bien que mal de suivre. Mais comme chantait l’autre : « Enfin le temps perdu qu’on ne rattrape plus« …

Les rats dans les murs – H.P. Lovecraft, illustré par Armel Gaulme (Bragelonne, 2020)

Je suis loin d’avoir lu tout Lovecraft, mais ces rats dans les murs est ce que je préfère jusqu’à maintenant. Ayant paumé le livre depuis des lustres, je remercie l’ami Nantua de m’avoir offert cette belle réédition, généreusement illustrée par Armel Gaulme (j’aimais bien la traduction de Liliane Sztajn aux éditions Mille et une nuits, mais la présente version de Arnaud Demaegd est bien aussi). Je reste fasciné par cette histoire de châtelain américain revenant sur les vieilles terres anglaises, découvrant un domaine ancestral ainsi qu’une terrible malédiction qui frappe sa famille depuis des temps immémoriaux. Filiation, malédiction, superstitions, rites païens, anciennes civilisations… Tous les ingrédients des contes fantastiques à la Edgard Allan Poe sont contenus dans cette nouvelle.

Dès son installation sur son domaine familial d’Exham, le dernier des De la Poer (clin d’œil à Poe justement) est le seul, avec ses chats, à entendre toutes les nuits des rats grouillant derrière les murs. C’est en recherchant leur provenance dans le domaine qu’il découvre l’entrée d’une crypte oubliée. Il décide de constituer une équipe d’archéologues afin d’aller explorer les sous-sols qui semblent infinis. Plus ils avancent dans les tréfonds de la structure, plus ils remontent le temps. Plus De la Poer s’engage dans cet abîme, plus il découvrira l’impitoyable vérité sur sa généalogie.

Si les illustrations au crayon à papier d’Armel Gaulme sont superbes (et démontre une grande maitrise), elles m’ont paru au premier abord plutôt fades et peu contrastées. Ça manque de relief pour illustrer du Lovecraft, surtout quand on a en tête les travaux de Breccia ou Corben. Mais au fil des pages, je me dis que ce choix de crayonnés « sous-exposés » est judicieux et convient parfaitement pour rendre compte de l’indicible, pour mettre un peu de lumière sur les ombres lovecraftiennes. Il faut prendre le temps de scruter ses compositions pour saisir tous ces détails qui nous échappent au premier coup d’œil. Tout comme nous échappent les horreurs tapies dans chaque recoin du prieuré d’Exham.

Alice au pays des lettres – Roland Topor (éditions du Seuil, 1991)

L’absurde de Roland Topor se situe aux abords du surréalisme à la belge, de la pataphysique et du non-sens à l’anglo-saxonne. Avec une bonne dose d’humour froid des pays de l’Est. Ses points cardinaux sont René Magritte, Alfred Jarry, Gogol et Lewis Caroll. Pas surprenant dans ce cas de le voir revisiter l’œuvre phare du romancier britannique. L’héroïne passe cette fois ci « de l’autre côté de la page » (titre initial de cette fable éditée en 1968)…

Dans cet Alice au pays des lettres, ces dernières ont le premier rôle. Alice ne tombe pas ici dans un terrier, mais littéralement dans les pages du livre sur lequel elle s’est endormie. Les lettres prennent vie et se rendent toutes à la bibliothèque. Elles cherchent à être engagées dans une pièce de théâtre. Alice les suit, rencontre un J et un E se tenant le bras tel un jeune couple en lune de miel, discute avec un Z qui est triste de ne pas avoir été retenu au casting, puis assiste au spectacle. En sortant, elle croise un M qui va être jugé pour une faute d’orthographe par les deux tyrans que sont la Grammaire et la Syntaxe. Une émeute s’en suivra en soutien à ce pauvre M… Après avoir renversé les tyrans, les lettres font une grande fête, se mélangent sans aucunes règles pour former des mots incompréhensibles qui « ne manquaient pas de fantaisie, mais risquaient de donner la migraine ». C’est en criant « assez !» qu’Alice se réveille… et va chercher des escargots dans le jardin.

Si pour Roland, l’écriture est « un aire de jeux hors des lois du monde », elle ne peut se faire que sous contraintes. La liberté que procure l’écriture ne s’acquière qu’en respectant des règles strictes. C’est la morale de cette fable illustrée, conseillée aux enfants de tous âges…