Les Meufs Cool – Eric Salch (Les Rêveurs, 2015)

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Eric Salch a la cote et c’est tant mieux. Découvert dans la revue Street life stories, il a depuis épuré son graphisme pour aboutir à ce minimalisme qui n’est pas sans rappeler Reiser. En quelques traits, il va à l’essentiel pour retranscrire efficacement les expressions et attitudes de ses personnages. Son découpage vif et son sens du dialogue apportent un rythme soutenu à l’ensemble, accentué par l’usage de bulles jaunes, de petits cœurs rouges et de graphèmes (types gouttes de sueur et tirets de regards). A l’instar d’un Fifi avec ses Chroniques Wallonnes, Salch développe un langage graphique qui lui est propre. Une écriture particulière. L’intérêt ne réside pas tant dans ce qu’il raconte que dans sa manière de le raconter. Une authentique démarche d’auteur.

Autobiographique et auto-parodique, Les Meufs Cool aborde les difficultés de la relation amoureuse. Divorcé après dix ans de mariage, Salch redécouvre les joies du célibat et de la rencontre des meufs cool. Sauf qu’il est difficile de garder son indépendance et ne pas retomber dans la routine conjugale. Aucune réflexions sexistes de sa part, Salch est bien plus critique vis à vis de lui même que des filles qu’il rencontre. Il ne se montre pas à son avantage, et n’hésite pas à dévoiler des aspects peu glorieux de sa personnalité : il est peu sûr de lui, dépressif, pleurnicheur, parfois lâche et légèrement feignant. Comme tout le monde en fait. C’est pourquoi on s’identifie facilement.

Son humour n’est pas si ravageur que son graphisme pourrait le laisser penser. Eric Salch est un grand sensible, voire « fleur-bleue ». Comme il le dit lui même dans le strip Mon cœur saigne : « écrire sur « les Meufs Cool » quand on est tombé amoureux, ça devient un peu plus compliqué… ». Il est constamment tiraillé entre ce qu’il est (un sentimental qui doute) et celui qu’il aimerait être (un mec cool sûr de lui), entre le fantasme de la relation amoureuse et la dure réalité d’une vie de couple. Mais bien heureusement, on en rigole avec lui. C’est le principal.

Édité en Hors Collection chez Les Rêveurs, ce format atypique et plutôt maniable (semblable au Microcosme de Larcenet) est idéal pour mettre en valeur cette succession de strips, à raison d’un par page. Le livre original d’un auteur qui l’est tout autant.

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MA LIFE !!!

Plageman – Bouzard (6 pieds sous terre, 1997)

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Supermurgeman de Mathsap dans le Psikopat, Super chien de Blexbolex dans Ferraille Illustré, et bien sur, notre Plageman national de notre Bouzard national dans Jade… bon nombres d’auteurs de bédé indé d’humour des années 90, qui ont sûrement biberonné aux comics, ont produit des séries de super héros a la sauce poilade et déconnade. Non pas des sauveurs surpuissants, plutôt des super-losers, dans la lignée des « losers sont des perdants » de Guerse et Pichelin.

Digne fiston de Superdupont, Plageman a lui des ambitions plus réduites. Non pas protéger notre pays des méchants de l’Anti-France, mais plutôt sauvegarder sa plage des beaufs. Ce qui dans le fond, n’est pas moins difficile. Entre les clients du camping, les vacanciers envahissants, les moutards chiards ou les entraînements des rugbymen, Plageman a du boulot pour débarrasser sa plage des intrus.

S’il n’a pas de super pouvoirs, l’homme-plage est tout de même sujet à une terrible malédiction : son masque (qui n’est qu’un bête ballon de beach volley) ne peut plus s’enlever, au risque de le défigurer. Il ne peut reprendre son apparence normal et se retrouve prisonnier de sa nouvelle identité. La plage devient alors son seul territoire, obligé d’y passer le reste de son temps. Et la plage en hiver est un lieu hostile. Heureusement pour lui, il n’est pas seul. Comme tout vrais super-héros, il a trouvé un fidèle compagnon, le super Pennak, un clochard céleste croisé au bar de la plage. Entre combats perdus et tentatives de survie, les deux compères ont fort à faire pour conserver ce qu’il leur reste de dignité et d’amour propre.

Bouzard lâche les chevaux et nous en balance plein la gueule. Il prend des libertés avec les règles anatomiques et la perspective (les mouvements de ses personnages sont excessivement désarticulés), et c’est tant mieux. Cela apporte un dynamisme et une puissance incroyables à son graphisme. Son trait vif et épais souligne parfaitement ces formes outrancières. Ça percute la rétine !

Une parodie de super-héros qui ne fait pas dans la finesse. Et c’est pour ça qu’on l’aime ! Pilier de la revue Jade, Plageman est logiquement devenu le héros culte des éditions 6 Pieds sous terre.

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Gorgonzola n°20 – (l’Égouttoir – Déc 2014)

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Comment ça vous n’avez pas encore le dernier Gorgonzola !? Mais il faut vous le procurer de suite ! Pour ceux qui l’ignorent encore, Gorgonzola est le fanzine des éditions de l’Égouttoir, chapeauté par le sieur Maël Rannou. Alors bon, quand on dit fanzine, faut pas toujours s’attendre à du papier photocopié au noir et blanc baveux. Gorgonzola est beau, solide, coloré, généreux. La revue d’un fan, réalisée de manière professionnelle (en gros, un prozine), qui met tout en œuvre pour offrir aux auteurs invités un espace de diffusion respectueux de leur travail.

Vingt numéros en dix ans d’existence, c’est une belle évolution pour une revue auto-produite. Rannou a réussi à contacter et convaincre une kyrielle de bons dessinateurs pour participer à l’aventure. Au fil du temps, il s’est constitué un noyau dur d’auteurs réguliers, tout en laissant la porte ouverte à de nouvelles recrues. Maël nous l’explique : « … contrairement à beaucoup d’autres fanzines, nous ne sommes pas nés d’une bande d’école ou de vieux amis. Dès l’origine, il s’agissait avant tout de réunir des auteurs divers, inconnu ou non, de différents pays et styles, pour peu qu’ils aient une démarche d’auteur reconnaissable permettant de donner un aperçu de la diversité de la bande dessinée alternative ».

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Pour ce vingtième numéro, pas de célébration particulière ni d’auto-satisfaction démesurée. Seulement un contenu de qualité. Et il a raison, c’est ce qu’il fait de mieux. En regardant le menu dans le détail, la diversité des formes et des propos est bien là. Entre le minimalisme assumé de Tony et les récits sensibles de Simon Hureau, l’autobiographie sociale de Jean Bourguignon et les mondes absurdes d’Olivier Texier, les gaufriers expressionnistes de Vincent Lefèbvre et l’onirisme old school de Léo Quivreux, les planches quasi abstraites d’Alex Chauvel ou le superbe graphisme d’Yvang qui, avec ces effets de trame et ces textes en cartouches (en fait d’anciennes « rubriques de chiens écrasés »), évoquent les périodiques du début XXème… Le tout dans un noir et blanc riche de gris, sur du beau papier glacé. 192 pages au format A5 de belle facture (10euros seulement) ! Si vous le trouvez en librairie, retenez l’adresse, c’est une bonne librairie. Sinon, on peut se le (les) procurer chez l’Egouttoir.

Depuis le n°18, Maël y joint un dossier complet, focalisant sur un acteur essentiel de bande dessinée « autre ». Après la revue Viper et le dessinateur Poirier, c’est au tour de trois auteurs-créateurs de fanzines (Filipandré, Gerbaud et El Chico Solo) d’être mis en lumière. Des interviews qui retracent leurs riches parcours et nous permettent de cerner trois générations (70′, 80′ et 90′) de fanzinat. Petite info du chef, le prochain dossier concernera les éditions Artefact, une bonne idée.

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Yvang

Destruction Massive – Willem (Les Requins Marteaux, 2003)

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La collection carrément porte bien son nom. Un format solide. Il faut bien ça pour recueillir du Willem. Ce petit pavé édité en 2003 regroupe tous ses dessins parus dans Libération et Charlie Hebdo entre 2002 et 2003. Un condensé de brut, d’essence de térébenthine, regroupant ses impressions et réflexions lapidaires.

Heureusement que l’ami Willem est toujours là pour nous renvoyer en pleine face toute l’absurdité de notre condition de pauvres cons, la débilité des puissants qui n’ont aucune conscience de la condition humaine. Il rend surtout compte de l’absurdité de l’Histoire qui, de part l’amnésie des Hommes, ne fait que se répéter. Car aussi trash soit-il, Willem n’invente rien. Il retranscrit avec son regard acéré, son indépendance d’esprit, sa sensibilité sans concessions toutes les absurdités du monde des vivants. Il énonce et dénonce les comportements déviants et pour toujours inacceptables des barbares, des obscures, des fondamentalistes…

Dans ce Destruction Massive, il focalise sur la deuxième Guerre du Golfe, ses acteurs, ses enjeux, ses conséquences… Pas de quoi rire. Et c’est justement pour ça que Willem est indispensable. Pour qu’on puisse rire de ces horreurs quotidiennes, de ces images obscènes véhiculés par les médias audiovisuels avides de sensations fortes . Un rire acide, noir, parfois désespéré, mais salvateur. Même ses dessins les plus obscènes sont loin de pouvoir retranscrire les horreurs de nos contemporains.

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Alors que le World Trade Center fume encore, que les noms d’al-Qaida et Ben Laden sont sur toutes les lèvres, Bush junior lui, veut attaquer l’Irak de Saddam Hussein, au nom de la liberté et de la lutte contre le terrorisme. Mais surtout par intérêts économiques. Personne n’est dupe et on peut compter sur Willem pour nous démontrer le caractère Ubuesque de la situation. Car quoi de plus Ubuesque que de déclarer la guerre au nom de la paix.

Cet album est le compte rendu d’une remarquable performance d’auteur. Dessiner tous les jours, en réponse à l’actualité, n’est pas un exercice facile, et relève d’une réelle démarche journalistique : transcrire les événements dans leur contexte, tout en les mettant en perspective (historique, politique…). D’un autre coté, cet album peut se lire en dehors du contexte dans lequel il a pris naissance. C’est le témoignage directe d’une période contemporaine qui, avec le temps, devient trace historique. Relire ces dessins plus de dix ans après leur publication nous permet d’avoir une vision d’ensemble, de faire des liens, des corrélations entre les tenants et aboutissants (géopolitiques, économiques…) de cette deuxième guerre du golfe (le prétexte idéologique, les fameuses armes de destruction massive, l’inévitable soutien de l’Angleterre, les intérêts pétroliers…).

Illustrateur reconnu, Willem est avant tout un dessinateur de bande dessinée (qui a sorti pas moins d’une quarantaine d’albums). Même dans ses illustrations, on trouve des séquences, des phylactères et des dialogues. Si son trait expressionniste (cette ligne claire pervertie de l’intérieur) et ses figures monstrueuses (à base de porno-gore-scato façon Panique) racontent déjà beaucoup, Willem n’est pas avare de mots (même avec des fautes d’orthographe comme à ses débuts !). Ses répliques sont cinglantes et apportent un parfait contre-point humoristique aux motifs souvent ignobles de ses dessins.

Willem est l’un des derniers de son espèce. Ce qui le rend d’autant plus précieux !

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Le petit livre de la Bande Dessinée – Hervé Bourhis & Terreur Graphique (Dargaud, 2014)

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Hervé Bourhis se fait une spécialité des « petit livres ». Après le Rock, les Beatles et la Cinquième République, il s’attelle cette fois ci à son propre domaine artistique : la bande dessinée. Un auteur de bandes dessinées qui nous parle de la bande dessinée, on a comme une impression de déjà vu. Sauf que la démarche de Bourhis n’a rien à voir avec celle de Scott McCloud. Quand ce dernier use du vocabulaire BD pour nous en démontrer les spécificités, Bourhis a pour ambition de dresser un panorama aussi large que complet du médium (de toute les époques et sur tous les continents).

Cette fois ci, Hervé Bourhis n’est plus seul. Il a trouvé le partenaire idéal en la personne de Terreur Graphique, dessinateur hyperactif et grand passionné de bayday devant l’éternel. Cette collaboration est remarquable, tant il est difficile au premier abord de distinguer leur contribution. Tous deux sont crédités aux dessins et scénarios. Alors bien sur, en scrutant un peu, on distingue le trait de Bourhis, plus fin et anguleux que le coup de pinceau souple et épais de Terreur. Mais l’ensemble dégage une parfaite homogénéité.

Pas simple de raconter une année de production en trois pages maximum (voire un siècle, pour ce qui est du 19ème). Mais c’est la grande réussite de cet ouvrage. Les deux compères ont effectué un remarquable travail de synthèse, aussi bien dans le choix des artistes et œuvres retenus (pas trop de mainstream et c’est tant mieux !) que dans le traitement graphique et rédactionnel. Des textes qui vont à l’essentiel et ne sont pas dénués d’humour (jeux de mots et calembours sont légion).

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Structurée en planche de type gaufrier 9 cases (qui varie entre 6 et 12 selon les pages), chaque année est ponctuée par un album phare. C’est ici que réside une autre bonne idée des auteurs : faire appel à leurs camarades pour illustrer l’album de l’année. Et les collaborateurs sont nombreux. Pas moins de 70 ont répondu présents. Ce travail de réinterprétation des couvertures d’albums cultes est d’une richesse incroyable. Quand certains se contentent de reproduire fidèlement l’originale, d’autres s’amusent à la détourner, la pasticher, l’épurer… Tous sont fans, et ça se voit ! Ces illustrations en couleurs contrastent à merveille avec ces planches au noirs, gris et blancs tranchants.

Alors bien entendu, les auteurs ne sont pas dupes, il y a d’inévitables oublis. Mais pour ma part, je n’ai pas observé de manques flagrants. Dans l’ensemble, toutes les grandes périodes, auteurs et œuvres incontournables sont évoqués. (Allez, pour faire la fine bouche, je dirais qu’ils ont oublié de citer Jordy Bernet et son Torpedo, Thomas Ott, et trois Alex : Baladi, Barbier et Varenne)

Quand on observe que sur les 73 albums de l’année (j’en possède 56), on trouve pas moins de 9 Tintin, on pourrait en conclure que les auteurs sont des tintinophiles invétérées. Peut-être. Mais cela s’explique par le simple fait que durant une longue période (surtout avant guerre), seuls Hergé et Casterman misaient sur la sortie d’albums, à une époque où toutes les séries étaient diffusées exclusivement dans les journaux et périodiques pour la jeunesse. C’est aussi pour cette raison qu’Hergé et son double sont devenus si incontournables dans l’histoire du Neuvième Art (et dans la mémoire des lecteurs).

Un album à picorer ou à dévorer, c’est selon l’humeur. Un album vers lequel tout amateur du Neuvième (néophyte ou érudit) reviendra régulièrement, tant il est toujours bon de remettre les événements marquants de la neuvième chose dans leur perspective chronologique…

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L’album 1960, Tintin au Tibet par Lewis Trondheim

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